作此篇 献于油画美
起源#
十九世纪末的欧洲艺术界经历了一场认识论层面的剧烈震荡，这场震荡彻底重塑了人类观看世界的方式，并奠定了现代视觉文化的基石。
这场革命并未遵循单一的线性路径，而是分裂为两个紧密相关却在哲学本质上截然对立的阵营：
以 克劳德·莫奈 为首的 印象派，以及以 文森特·梵高 为代表的 后印象派。
这两个流派并非简单的继承关系，而是在关于“真实”的定义上展开了一场深刻的辩证交锋：
前者追求视觉的真实，致力于以科学般的严谨捕捉视网膜上的瞬时光影；后者追求情感的真实，试图通过色彩与形式的扭曲来外化内心深处的主观体验。
摄影术与管状颜料#
19世纪中叶，摄影术的普及迫使绘画放弃了其长久以来作为“现实记录者”的功能。如果照片能比 安格尔 更精确地记录形态，绘画存在的意义何在？这一存在主义危机迫使莫奈等先锋艺术家转向摄影无法触及的领域：色彩的颤动与时间的流逝。
同时，工业革命带来了 管状油画颜料（Tube Paints） 的发明，这直接促成了 “外光主义”（En plein air） 的兴起。莫奈得以走出画室，在自然光下直接捕捉转瞬即逝的景色，使用新化学合成的鲜亮颜料（如铬黄、钴蓝、翠绿），彻底抛弃了学院派沉闷的沥青色调。
术语的诞生#
“印象派”一词源于1874年 路易·勒鲁瓦 对莫奈《日出·印象》的嘲讽，意指其“未完成”的草率。
而“后印象派”则是一个更为滞后的构建，由英国批评家 罗杰·弗莱 在1910年策划“马奈与后印象派”展览时创造。弗莱敏锐地指出，塞尚、高更和梵高虽然风格迥异，但他们拥有一个共同的否定性纲领：拒绝印象派对自然主义光影的盲目崇拜，转而探索形式的结构（塞尚）或情感的象征（梵高）。
弗莱认为，后印象派试图“不再模仿生活，而是寻找生活的等价物”。如果说印象派是“眼睛的胜利”，那么后印象派则是“心灵的反击”。
浮世绘#
1603年，江户成为日本政治权力中心之德川幕府的根据地。处于社会秩序底层的町人阶级（商人、手工业者和工人）从城市的高速经济增长中获益最多，开始沉迷和光顾歌舞伎、艺伎、花魁等所在之娱乐活动地区（游廓）。浮世绘（浮动的世界） 一词用来描述这种享乐主义的生活方式。
浮世绘是19世纪后期形成西方对日本艺术看法的核心，尤其是葛饰北斋和歌川广重的风景画。1870年代起，日本主义成为一股显著的潮流，对埃德加·德加、爱德华·马奈、克劳德·莫奈等早期印象派画家，以及文森特·梵高等后印象派画家和亨利·德·图卢兹-罗特列克等新艺术运动艺术家产生了深远的影响。
以下是一些著名画作：
《神奈川冲浪里》The Great Wave off Kanagawa 是日本浮世绘画家 葛饰北斋 创作的木刻版画，出版于1831年至1833年间，是《富岳三十六景》系列作品。该画以富士山为背景，描绘了“神奈川冲”（即神奈川外海，现横滨市神奈川区对出的海面上）的巨浪掀卷着渔船，船工们为了生存而努力抗争的图像，是葛饰北斋的代表作，也是举世闻名的日本艺术作品。作为代表日本的象征性文化符号之一，日本银行于令和六年（2024年）发行的新版一千日圆纸币以其为背面图案。
作为日本浮世绘经典之作，《神奈川冲浪里》自面世而来激发了很多艺术家的创作灵感。该作品在1870年代传入欧洲后引起轰动。克劳德·莫奈对其推崇备至。文森特·梵高在写给弟弟特奥的信中大力夸赞此作，在创作《星夜》曾参考这幅画的构图及色彩。法国作曲家克劳德·德彪西在书房上长挂该作，受其影响创作出交响诗《海》（La Mer），并请雅克·杜朗以其为摹本作为首版乐谱封面。葛饰北斋的年轻同事歌川广重和歌川国芳也从中汲取灵感，创作了他们自己的以海浪为主题的作品。
《东海道五十三次》The Fifty-three Stations of the Tōkaidō 是浮世绘画师 歌川广重 的名作之一，描绘日本旧时由江户（今东京）至京都所经过的53个宿场（相当于驿站），即东海道五十三次的各宿景色。该系列画作包含起点的江户和终点的京都，所以共有55景。不过有些景色并不完全写实，而是作者发挥了自己的想像。
初版的《东海道五十三次》约于天保4、5年（1832年、1833年）左右发行，主要的出版商为保永堂，所以初版也通称为“保永堂版”。除五十三个站点外，下列仅展示一幅代表出发地《日本桥》的版画，以及最后一幅，即第五十五幅版画《京都》。
《日本桥：朝之景》
《京师：三条大桥》
《相馬の古内裏》Takiyasha the Witch and the Skeleton Spectre 是日本浮世绘艺术家 歌川国芳 创作的江户时代晚期浮世绘木刻 三联画。国芳以其对历史和神话场景的描绘而闻名，他将这两种场景结合起来，描述了相马国的古内裏（宫殿）中，泷夜叉公主召唤骷髅幽灵来吓唬大谷光国的场景。
画面中，公主念诵着写在手卷上的咒语，召唤出一个巨大的骷髅。骷髅从漆黑的虚空中跃出，用它骨质的手指撞破破烂烂的宫殿百叶窗，威胁着光国和他的同伴。
克劳德·莫奈#
画作列表：List of paintings by Claude Monet
莫奈的艺术生涯是对“光”这一物理现象进行的一场长达六十年的神学式崇拜。他的目标是将视觉感知从认知的束缚中剥离，还原为纯粹的光学刺激。在其画作中没有非常明确的阴影，亦无突显或平涂式的轮廓线。此外，他对于色彩的运用相当细腻，曾长期探索实验色彩与光的完美表达，常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅描绘。
莫奈非常欣赏日本艺术，他也从 葛饰北斋 的作品中汲取了灵感，尤其是在色彩运用和构图方面。他的许多作品都体现了这种影响，例如他对自然景观的描绘，常常采用大胆的色彩对比和简洁的线条，这与 浮世绘 的风格有着明显的相似之处。
《花园里的女人》#
1867 Woman in the Garden
画中的女子是让娜-玛格丽特·勒卡德尔，她是勒卡德尔先生富裕的表兄保罗-欧仁·勒卡德尔的年轻妻子。勒卡德尔一家住在勒阿弗尔，在附近的圣阿德雷斯拥有一座名为“勒科托”的乡间别墅，这幅画就是勒卡德尔先生在短暂的访问期间于别墅花园中创作的。
《贝内库尔河畔》#
1868 On the Bank of the Seine, Bennecourt
这幅画描绘了莫奈的模特、伴侣兼未来的妻子 卡米尔·唐西厄 从塞纳河中的一座小岛上回望贝内库尔郊外的格洛顿村，当时他们和年幼的儿子让暂时住在那里。这幅画创作于莫奈人生的低谷时期：被赶出格洛顿的住所后，他于次日晚间投河自尽（并无严重后遗症），之后独自返回巴黎。
《青蛙池塘》#
1869 La Grenouillère
这幅画描绘了卡门贝尔岛，岛上只有一棵树，通过狭窄而光滑的木板将岛屿与浮桥船连接起来……这导致人们跌倒并意外落水。
《印象 日出》#
1872 Impression Sunrise（Original Image）
不仅是流派的命名之作，更是莫奈早期风格的宣言。这幅画被认为是印象派运动名称的灵感来源。莫奈放弃了传统的调色板混合，将橙色和蓝色的纯色并置。这种“色彩分割”（Divisionism）利用了人眼的补色原理，使得画面在一定距离外产生强烈的视觉震颤感。
《阿让特伊桥》#
1874 The Bridge at Argenteuil（Original Image）
这幅画描绘了从小热讷维利耶码头望去的塞纳河畔，位于连接热讷维利耶和阿尔让特伊的阿尔让特伊公路桥桥脚下的景象。
《撑阳伞的女人》#
1875 Woman with a Parasol – Madame Monet and Her Son
有时也被称为《漫步》（The Stroll）（法语： La Promenade ），是莫奈于1875年创作的一幅布面油画。这幅印象派作品描绘了莫奈的妻子 卡米耶·莫奈 和他们的儿子 让·莫奈 在1871年至1877年间居住在阿尔让特伊时的情景，捕捉了他们在夏日微风拂面的漫步瞬间。
《吉维尼附近的干草堆》#
1884 Haystack Near Giverny（Original Image）
画中描绘的干草堆是用干草堆成的，这与莫奈在接下来的十年里创作的《干草堆系列》中用麦田堆成的干草堆不同。它被认为是《干草堆系列》的先驱作品之一。
《干草堆》#
1890–1891 Haystacks
该系列每幅画的主要主题都是收割后的麦垛（也可能是大麦或燕麦：其法语原名《吉维尼的麦垛》（Les Meules à Giverny）意为“吉维尼的麦垛”，显然指的是稻草堆）。该系列作品共25幅，莫奈于1890年夏末开始创作，并持续到次年春季。不过，莫奈此前也创作过五幅以同样主题为创作的画作。该系列的先驱作品是1884年的《吉维尼附近的干草堆（Haystack Near Giverny）》。
该系列作品以莫奈反复描绘同一主题的方式而闻名，以此展现一天中不同时间、不同季节以及各种天气条件下不同的光线和氛围。
《白杨树》#
1891 Poplars（Original Image）
该系列作品共23幅，于1891年夏至秋期间创作。主题都是离当时莫奈在吉维尼的居所不远的艾普特河畔的白杨。画中的树木位于埃普特河畔的一片沼泽地，距离莫奈的住所和工作室上游几公里。
《鲁昂大教堂》#
1892-1894 Rouen Cathedral
鲁昂大教堂系列画作共30余幅，于1892年至1893年间在诺曼底完成，后于1894年在莫奈的工作室进行了修改。该系列画作分别描绘了鲁昂大教堂在一天中不同时间、一年中不同季节的外立面，反映了其在不同光照条件下的外观变化。
《睡莲》#
1897–1926 Water Lilies
《睡莲》组画是莫奈晚年作品的一个成熟系列，也更进一步成就了他印象派大师的名号。1883年，时年四十多岁的莫奈在妻子离世后，搬到了巴黎郊区一个宁静的小镇吉维尼，以画为生。七年后，他从长期购买他作品的画商保罗那里得到了一笔钱，他买下了房屋和庭院后，开始打理他的花园，并挖了一个人工池塘，种下了一池睡莲。起初只是观赏睡莲，后来他渐渐产生了创作的冲动—“池里的精灵浮现在我眼前，我举起了调色板”，就这样一幅幅睡莲画作诞生了，睡莲成了他晚年绘画的主题。
一系列约250幅油画作品。这些画作描绘了他位于吉维尼的家中花园，也是他生命最后31年艺术创作的主要方向。许多作品都是在莫奈患有白内障期间创作的。
其余作品#
1866 The Green Wave
这幅画的风格受到了 爱德华·马奈 的影响。在这幅画中，他运用了明亮的天空与深色船只的鲜明对比。前景船只的画面被裁剪到桅杆顶端。它庄严而精致的造型与背景中冒着浓烟、形状模糊的汽船形成了鲜明的对比。前景船只的画面被裁剪到桅杆顶端。它庄严而精致的造型与背景中冒着浓烟、形状模糊的汽船形成了鲜明的对比。海豚优雅的姿态通过生动的笔触得以凸显，令人联想起 歌川广重 的版画。
1867 The Beach at Sainte-Adresse
这幅画和《圣阿德雷斯帆船赛》是在莫奈拜访姑妈期间，于几乎相同的地点创作的。《海滩》着重描绘了渔民，背景中有一对资产阶级夫妇。《帆船赛》则强调了参加帆船赛的场景。
1867 年夏天，莫奈在英吉利海峡畔的度假小镇圣阿德雷斯度过，该镇位于法国勒阿弗尔附近。正是在那里，在一个可以眺望地平线上翁弗勒尔的花园里，他创作了这幅画。
画中的模特很可能是莫奈的父亲阿道夫（位于前景），莫奈表妹的妻子珍妮-玛格丽特·勒卡德尔（位于篱笆旁），以及她的父亲阿道夫；或许还有她的妹妹索菲，那位背对着观众坐着的女子。虽然这幅画展现了富裕的家庭生活，但它绝非一幅家庭肖像。那年夏天，莫奈与父亲的关系十分紧张，因为家人不赞成这位年轻艺术家与他的伴侣卡米尔·唐西厄（他未来的妻子）的恋情。
1873 The Poppy Field near Argenteuil
两对母子构成了画面的斜向结构。画面左半部分以红色为主，右半部分则以蓝绿色为主。前景中的女子很可能是画家的妻子卡米尔·唐西厄，她身边是年幼的让·莫奈。
1874 The Studio Boat
这幅作品描绘了莫奈在塞纳河上的画室船里作画的场景，地点位于阿让图伊。莫奈大约在1873年搬到阿尔让特伊后不久买下了这艘船。他形容这艘船是“一个用木板搭建的小船舱，里面刚好够我支起画架。”
1875 Snow at Argenteuil
它是莫奈在1874-1875年冬季创作的十八幅描绘家乡阿让特伊雪景的作品中尺寸最大的一幅。
莫奈的大部分《阿尔让特伊的雪》系列画作创作于1874-1875年的冬季，地点都靠近他和家人刚刚搬入的圣丹尼斯大道（现卡尔·马克思大道21号）上的房子。这幅画描绘了圣丹尼斯大道与班斯路交汇处的方向，塞纳河在画作后方隐没，而当地的火车站则位于莫奈作画时的身后。
文森特·梵高#
画作列表：List of works by Vincent van Gogh
很多年前，我看不懂梵高。当时，画的像是我对绘画作品最高的理解，所以，画的不像的梵高我自然不理解为什么如此出名。
梵高的作品最特别之处，我个人觉得是能让你产生情绪共鸣。我一直觉得这种情绪共鸣贯穿了他作品的始终。你能从画面笔触色彩和颜料的层层堆积里，感受得到他当时的情绪，甚至能感受得到他在当时所能听到的声音看到的光影。你能明显感受到他的画想要把眼睛看到的一切、心所感受到的一切，统统通过画布传达给你。
其实我也说不清他的画好在哪儿，因为我本身并不懂画。但是心里总隐隐觉得，不管他画的花朵还是树木，农田还是房屋，风景还是人物，都能让人感受到那种浓到化不开的悲伤。他歌颂这些美好，但这些美好却从来都不属于他。就像他在信里跟人说的那句：要是我能跟其他人一样，多好。临终前他说，悲伤将永存，一语成谶。
梵高的画家生涯直到27岁左右才开始，到他死亡的37岁这十年，总共创作了约2100幅画作，其中包括约870幅油画。
这个世界上唯一能共通的只有两个东西，一个是艺术，一个是美食。但是美食相对艺术可能更加的局限，艺术的通感是一样的。
我相信每一个人听到天鹅之死都会流泪，那么你有什么理由看到梵高的麦田，而不想乘风归去呢。
香港作词家黄伟文有一词作品，名《倾城》，里面有这样一句话：
紅眼睛 幽幽的看著這孤城
如同苦笑 擠出的高興
瓊樓玉宇 倒了陣形
來營造這 絕世的風景
之前一直不明白，琼楼玉宇，怎会倒了阵形呢。直到那晚回忆过往时听到这首歌，红润的双眼看着窗外那高楼竟在眼泪的折射中变得东倒西歪，才懂得，或许这大概就是倾城。那刻恍然明白，这就是那晚梵高眼中的世界，正是那幅：
《星夜》#
1889 The Starry Night
1888年12月23日，梵高在与高更的一次争吵之后，因思觉失调症复发而割下了自己的左耳，用手帕包起后送给一名妓女。隔年5月8日自愿前往普罗旺斯地区圣雷米的一家精神病院治疗，在那驻留了108天。在入住精神病院期间，梵高创作了大量的绘画作品，共计一百五十多幅油画和一百多幅素描。在此阶段的绘画，梵高的画风开始趋向于表现主义，作品充满忧郁精神和悲剧性幻觉，其中作品《星夜》正是其中代表之一。而作品《星夜》是在医生允许梵高白天可以外出的条件下所创作，而其作品所描述的风景也正是精神病院所在地圣雷米。
油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《富岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。
《艺伎》#
1887 Japonaiserie
日本趣味（Japonaiserie）是梵高发明的一个词语，用来表达日本主义对当代欧洲艺术的影响。在 黑船事件 之前，荷兰是仅有的对日贸易商，在此之后日本与西方的交流日渐增多，而梵高也因此受到了影响。
梵高和马奈、莫奈等其他艺术家一样开始收集日本的浮世绘作品，梵高实际还和弟弟西奥做过一段时间的浮世绘买卖生意，并收集了上百幅浮世绘。因此梵高对日本艺术产生了兴趣，1887年时，梵高绘制的作品《艺伎（仿英泉）》即是受了日本浮世绘画家 溪斋英泉 影响，此外当年他还仿绘过两幅歌川广重的作品。
《春季垂钓》#
1887 Seine（Original Image）
塞纳河是梵高1887年创作的一系列画作的主题和地点。几个世纪以来，塞纳河一直是巴黎人生活中不可或缺的一部分，是商业、旅行和娱乐的重要通道。梵高主要描绘了在自然中可以感受到的远离都市喧嚣的宁静与放松。
部分画作创作于巴黎，其余作品则创作于巴黎西北郊的克利希和阿涅尔。通过这些作品，观众可以看到他作品风格的转变，从早期作品的暗色调和严肃主题，转向了更加明快的色彩和光线运用以及主题选择。
《阿尔勒的卧室》#
1888 Bedroom in Arles
《阿尔勒的卧室》是梵高的三幅相似画作的标题。在他的信件中，提到了三个不同的版本，可以通过右侧墙上的画作轻松区分。
这里只展示第一版：
《播种者》#
1888 The Sower
《夜晚露天咖啡座》#
该画作是其最知名的作品之一，他于1888年9月中旬在法国普罗旺斯阿尔勒论坛广场的东北角以未署名的形式创作了这幅画，并透过用三封信对这幅作品进行描述和提及。该作品具有梵高独特的暖色调及透视法。更成为梵高第一幅有星空背景的画作，其他有星空背景的画作有同月所作的《罗讷河上的星夜》，及隔年所作的《星夜》。
《罗讷河上的星夜》#
1888 Starry Night Over the Rhone（Original Image）
这幅画作创作于罗讷河畔，距离梵高当时租住的拉马丁广场黄房子步行仅一两分钟。夜空和夜晚的光线效果为梵高一些著名画作提供了主题，包括《夜晚露天咖啡座》（创作于同月早些时候）和1889年6月在圣雷米创作的油画《星夜》。
《向日葵》#
1888 Sunflowers
《向日葵》是梵高绘画的一系列静物油画。在1888年8月写给哥哥的一封信中，当时他住在阿尔勒，信中提到了他在巴黎期间的一个细节，这个细节启发了他创作向日葵系列：“你店旁边的餐厅里，你知道那里有一个非常漂亮的花卉展示；我总是记得橱窗里那朵巨大的向日葵。”
《埃滕花园的记忆》#
1888 Memory of the Garden at Etten
画中的花园位于埃滕（今埃滕-勒尔），梵高在1881年复活节至圣诞节期间曾在此与其弟西奥同住，这是他画家生涯的开端。
《花园》#
1888 Flowering Garden
《鸢尾花》#
1889 Irises
1889年5月，梵高在进入精神病院的一个月内开始绘制《鸢尾花》，并在在医院花园进行绘制中工作。《鸢尾花》的构图缺乏他后期作品中所见的高度张力。在此期间，他称绘画为“我疾病的避雷针”，因为他觉得继续绘画可以让自己不至于发疯。
这幅画可能受到日本浮世绘、木刻版画的影响，就像他的许多作品和当时其他艺术家的品一样。作品强调的相似之处在于强烈的轮廓、不寻常的角度，包括特写视图，以及平坦的局部颜色。《鸢尾花》充满了柔和和轻盈。以及充满生机，没有悲剧的感觉。
《自画像》#
1885-1889 Self-Portrait
梵高在1885年至1889年间创作了超过43幅自画像，下列仅附两幅。
《麦田里的丝柏树》#
1889 Wheat Field with Cypresses
《麦田里的丝柏树》是梵高1889年创作的三幅风格相似的油画之一，属于他的 麦田系列 。第一版创作于1889年6月下旬或7月初，正值梵高创作的狂热时期，也是在他完成《星夜》后不久，当时他对柏树着迷不已。这幅画很可能是在梵高能够离开精神病院后，在柏树附近进行户外写生时完成的。梵高认为这幅作品是他最好的夏季画作之一。
《有丝柏的道路》#
1890 Road with Cypress and Star
在早前写给弟弟提奥的一封信中，梵高提到柏树“总是萦绕在我的脑海中”，他觉得柏树“线条优美”，比例如同埃及方尖碑。自1888年在阿尔勒逗留以来，他就一直想画一幅柏树的夜景。
《黄昏的风景》#
1890 Landscape at Dusk
梵高在他生命的最后几个月，即 1890 年 6 月创作的一幅画作，描绘了夕阳余晖下的两棵梨树，远处树林中可以看到瓦兹河畔欧维尔城堡。
《灌木丛中有两个人影》#
1890 Undergrowth with Two Figures（Original Image）
梵高创作了多幅描绘灌木丛的画作，这种绘画类型被称为“林下景”（sous-bois），由巴比松画派和早期印象派画家发扬光大。该系列作品巧妙地运用了森林或花园内部的色彩和光线。
《麦田群鸦》#
许多人认为这是他的最后一幅画作，创作于他去世前几天，但更有可能的是，《树根》Tree Roots 才是他的最后一幅作品。评论家和艺术史学家普遍认为这幅画表达了梵高生命最后阶段痛苦的内心状态。阴沉压抑的天空、三条岔路走向不明的小径，以及预示着威胁或死亡的黑乌鸦，都强化了这种象征性的解读。许多评论家认为它是梵高最伟大的作品之一。
其余作品#
1888 The Yellow House
这房子位于法国阿尔勒拉马丁广场（Place Lamartine） 2 号的右翼，1888年5月1日，梵高在那儿租了四间房间。他使用地面楼层（一楼）的两个大房间，当作用作私人画室（工作室）和厨房。二楼有两个较小的房间面向拉马丁广场。二楼转角附近，有两扇百叶窗打开的窗户，这是梵高的客房，高更自1888年10月下旬起在这里住了九个星期。后面有一扇百叶窗关闭的窗户，这是梵高的卧室。后面的两个小房间，梵高之后也曾租用。
1888 The Night Cafe
梵高早在某月就构思了这幅画。1888年8月他在一封未注明日期的写给弟弟提奥的信中提到了这个想法 ：“我今天晚上可能会在煤气灯下开始粉刷我住的那家咖啡馆的内部。这里称之为‘夜间咖啡馆’；这种咖啡馆在这里很常见，通宵营业。因此，那些‘夜行者’如果付不起住宿费或者喝得太醉无法入住，就可以在那里找到栖身之所。”
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1889 Olive Trees
《橄榄树》是梵高绘制的一系列画作，至少创作了15幅，其中大多数都绘于1889年的圣雷米。1889年5月至次年5月闲梵高正住在圣雷米精神病院，画下了病院里的景色。这些树种在病院墙外，亦曾在其作品《星夜》中出现。
1889 Vase with Irises Against a Yellow Background
为了与下面纽约大都会艺术博物馆收藏的《鸢尾花瓶》区分开来，它也被称为《黄色背景上的鸢尾花瓶》。
1890 Vase with Irises
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至爱梵高·星空之谜#
2017年，全手绘油画动画长片电影《至爱梵高·星空之谜》Loving Vincent 上映，片中的65000帧皆是由帆布上的油画所组成，它由从约5000名申请者中脱颖而出的来自20多个国家的125位画家纯手工绘制，耗时6年完成。
Discover the Life and Work of Vincent van Gogh当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我不再眷恋人间。